Artist - Yu Jin ,Sung - 작가 성유진 - criticism and text

내적 풍경에 침투한, 어느 관찰자의 시나리오 - 심소미

2010-10-14T15:45:13+09:00

내적 풍경에 침투한, 어느 관찰자의 시나리오 ● #1 쿠웅- 커다란 고양이 머리가 갸우뚱 바닥으로 떨어졌다. 한바탕 세상이 기우뚱하며 순간 시공간은 뒤섞인 채 정지 상태가 된다. 앞으로 다가올 엄청난 변화의 기미를 감지한 듯, 그의 시선은 동공이 확장된 채 안과 밖 그 사이에 걸쳐있다. 성유진의 근작 중 유일하게 고개가 바닥을 기대고 있는 이 그림(그의 전체 작품을 통틀어서 유일한 구도)으로 본 전시의 서막을 올린다.

성유진_untitled_다이마루에 콘테, 유채_91×116.8cm_2010

#2 꿈인지 생시인지 고개를 들어보니, 고양이는 고양이 인간이 되어 숙녀처럼 옷을 잘 차려입고선 어느 풍경 속에 있다. 거리의 건물들은 도시의 외양을 하고 있으나 엉성하게 건축되어 있으며 삭막하기 그지없다. 다른 장면에서, 고양이 인간은 광대 분장을 하고는 다른 고양이 인간들과 함께 각자의 상념에 빠져있다. 앞에는 고양이 장난감이 놓여 있으나 이들의 시선 밖이다. 고양이 인간은 계속하여 다른 공간에서 다른 가장을 한 채 등장한다. 그 뒤로 벽이 세워지고, 붉은 커튼이 쳐진다. 고양이와 함께 하던, 까마귀, 그의 분신인 고양이 인형도 등장한다. 이들의 시선은 여전히 이곳에 없다. 벽의 부분이 허물어지고, 문이 열린다. 잠을 청하자, 닫혀있던 커튼이 걷힌다. 그 창문으로 풍경이 스멀스멀 방 안으로 스민다.

성유진_untitled_다이마루에 콘테, 혼합재료_116.8×91cm_2010

성유진_untitled_다이마루에 콘테_145.5×112.1cm_2010

#3 한숨 자고 일어나니, 창문으로부터 햇빛이 내리 쬐인다. 몸을 창문 쪽으로 돌려, 빛을 쐬어 본다. 익숙치 않던 시선은 다시 방안으로 향한다.

성유진_untitled_다이마루에 콘테_150×130cm_2010

성유진_untitled_다이마루에 콘테_100×100cm_2010

#4 고양이 인간이 머무는 공간은, 내면에서 바라본 것들이 투영되는 장소이다. 전작에서 작가는 고양이의 얼굴 인상을 통해 자아가 겪는 심리적 정황과 그 심연에 접근했다. 그 이전 작업(초기작)에서 고양이는 몸 그 자체로 일그러지고 왜곡된 모습으로 등장하며 분열된 자아와 다의적인 정체성을 보여줬다. 다시 근작으로 돌아와서, 고양이는 사유로 무거워진 머리로부터 나와 몸을 지니게 되었다. 전전작과는 다른, 인간화된 몸이다. 이 몸으로부터 풍경이 펼쳐진다. 인간의 몸은 개인과 세계 사이의 경계이자 매개체이기에, 고양이 인간의 몸이 머무는 공간은 현실과 유사한 모티브를 가지고 구성된다. 하지만 여기서의 공간은 마치 최면의 상태나 혹은 꿈속의 장면처럼 몽환적이고 비현실적이다. 이는 내면으로 향하던 몸이, 풍경화 되었기 때문이다.

성유진_untitled_다이마루에 콘테_162.2×130.3cm_2010

#5 개인에게 내재된 불안, 고립, 우울과 같이 소외된 정감들을 불러일으키며 심리적 공감대를 형성했던 고양이의 인상에 외부 공간적 상황과 현실적 내러티브가 도입된 것은 근작에서 주목할 만한 변화이다. 인간화된 고양이의 몸은 매개적인 이미지로, 몸과 공간, 몸과 풍경, 몸과 배경 사이에 깊숙이 관여하며 관계를 형성해 나간다. 고양이 인간에 의해 구성된 공간은 의식과 무의식, 현실과 꿈, 개인과 세계, 자아와 타자 사이의 수많은 경계들 속에 놓이며 서로가 얽히는 혼종의 상태이다. 이는 내면과 외부 세계 사이에서 끊임없이 간극과 분열을 경험했던 작가의 개인적 고뇌로부터, 두 세계 사이를 매개해보려는 욕망과 소통의 의지에서 비롯한다. 유년기의 옷장을 열어 젖혀 옷에게 바느질을 하여 팔, 다리를 만들어 주거나 화분 속 식물을 의인화하여 독립적으로 개체화한 최근작에서는, 주객체의 위계가 모호해지는 가운데 경계의 전복이 일어난다. 고양이의 머리가 바닥으로 떨어진 순간, 그는 이를 감지했던 것이 아닐까. ■ 심소미

성유진_untitled_다이마루에 콘테_120×100cm_2010

A scenario of some observer who gazes at inner space
● #1 Bump! The cat's big head fell slantwise to the floor. The world slants. Instantly, the space time is jumbled up and freezes. As if it has detected signs of upcoming great changes, it gazes at throughout inner and outer area including the space in between with its dilated pupils. The only painting that features a head leaning on the floor (the unique composition throughout her entire paintings) among the other recent pieces of Yujin Sung, makes a prelude of this exhibition.
● #2 When the cat raises up the head to figure out if it was a dream or for real, it has become a cat human. The cat human is dressed up as a lady and belongs to a landscape. The buildings on the street have a city like appearance but they are loosely constructed and arouse desolate feelings. In another act, the cat human is disguised as a clown, being lost in deep thoughts among others. Before them, there are cat toys that remain out of their sight. The cat human keeps appearing in a different disguisement in another space. The walls are built and the red curtain is drawn behind the cat human. The crow that used to keep company to the cat and the cat doll, the alter ego also appear. Their eyes are still not here. A part of the wall collapses and the door opens. As the cat human tries to get some sleep, the closed curtain is put aside. A landscape permeates into the room through that window.
● #3 After some sleep, the sunlight shines through the window. The cat human turns toward the window and exposes to the sun. The unfamiliar gaze comes back into the room.
● #4 The cat human stays in the space where inner thoughts are projected. In her previous works, the artist questioned oneself's psychological status and its abyss through cat's facial expressions. Before this series, in her earlier works, the cat's distorted body was introduced in order to reveal dissociative ego and diverse identity issues. Coming back to the recent works, the cat has now a body separated from its heavy head full of thoughts. Differing from the one from the earlier series, it is a humanized body. From this body, a landscape spreads out. As a human's body is a border and as well as a mediator between an individual and the world, the space where the cat human's body resides is composed with the patterns similar to the reality. However, this space is dreamy and unrealistic like in a hypnotic state or a fragment of a dream. That's because the body from inner space turned into a landscape.
● #5 There is a noticeable change in her latest series of paintings. If the representation of cat in her previous works has evoked marginal feelings such as anxiety, isolation and depression indwelling within a person, the artist introduced this time new elements such as the outdoor spatial situation and the realistic narrative into the cat's portrait. The body of a humanized cat functions as a mediator deeply involved in creating different links between body/space, body/landscape and body/background. The space composed by the cat human is in the state of hybridism. It is located on the uncountable borders between consciousness/unconsciousness, reality/dream, individual/world and self/other. This aspect has grown from the personal agony of the artist who had experienced constant dissociation and gap between inner and outer worlds. Also, there are the desire and the will of communication in order to mediate these two worlds. In the latest paintings, the artist sews arms and legs onto a cloth by opening up the closet from her youth, or she humanizes a plant to turn it to an independent individual. Through this process of reversing the hierarchy between the subject and the object, the subversion of borders is aroused. At the moment when the cat's head fell down to the floor, she must have detected the sign of it. ■ Somi Sim

내 안에 존재하는 나의 초상들 - 성유진의 회화를 읽는 또 다른 상징 _ 김종길 미술평론가

2009-08-19T01:08:50+09:00

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성유진_서울시립미술관 난지스튜디오_2009.8.17

내 안에 존재하는 나의 초상들
- 성유진의 회화를 읽는 또 다른 상징

2005년 인도의 북부 비하르 주 아라리야 지역에서 수족이 여덟인 아이가 태어났다. 팔이 네 개 발이 네 개인 이 아이는 힌두교의 여신 락시미를 닮았다 하여 락시미 타르마라는 이름을 얻었다. 락시미는 팔이 네 개 발이 두 개인 여신으로 풍년과 행운을 상징한다. 타르마는 락시미의 환생이라 불리며 축복을 받았다. 그러나 의학적으로 타르마는 이십오만쌍의 쌍둥이 중에서 한 쌍이 태어날 만큼 희귀한 경우의 삼쌍둥이일 뿐이다. 이 아이는 결코 농사를 관장하여 풍년을 불러오는 신비의 힘을 가진 바 없고 오히려 기형적으로 붙어있는 미성숙 된 한쪽을 제거해야만 살아갈 수 있는 불행을 안고 있었다. 실제로 타르마는 27시간의 긴 수술 끝에 네 개의 수족을 절단했고, 현재 물리치료를 받으며 새 삶을 살고 있다. 타르마의 이야기는 육체적으로 동일한 두 개의 ‘나’란 결코 존재할 수 없음을 극명하게 보여준다. 그렇다면 그 내부의 이야기는 어떨까?

그림 1. 힌두교의 여신 락시미 그림 2. 락시미 타르마의 CT촬영 사진

우리는 흔히 이랬다저랬다 하는 사람을 두고 다중인격자라 부른다. 이 다중인격의 의학용어는 해리성 정체감 장애(dissociative identity disorder)이다. 해리성 장애는 한 사람 안에 둘 또는 그 이상의 각기 구별되는 정체성이나 인격이 존재하는 것을 말한다. 이것의 정확한 원인은 아직 밝혀진 바 없으나 어렸을 때 충격적인 사건에 의해 발생하는 경우가 많다고 본다. 그런데 이 장애의 증상이 흥미롭다.

성격간의 이동은 때로는 매우 급작스럽고 드라마틱하게 이루어진다. 환자들은 각각의 성격에서 경험한 것들을 일반적으로 기억하지 못한다. 그러나 경우에 따라서는 다른 성격의 존재를 완벽하게 인지하기도 하고 때로는 본인이 아닌 친구 같은 남으로 경험하기도 한다. 성격은 성을 달리 할 수도 있고 원래 가족의 기원과 다른 인종과 나이를 가지기도 한다.

예술적 상상을 덧붙여 본다면, 해리성 장애는 우리가 장애 상태에 노출되지 않고 있을 경우 누군가는 여러 인물의 삶을 살거나 그럴 수 있다는 것의 증거이다. 타르마처럼 육체적으로는 다중이 될 수 없지만 정신적으로 얼마든지 가능한 일이란 얘기다. 뿐만 아니라 그 다중적 인격이 다른 인종과 나이를 가지기도 한다니 일반적으로 생각되는 다중인격에 비해 상당히 폭이 크지 않은가.
다중인격의 현현은 대체로 신격으로 구분되었다. 특히 인도 힌두교의 신들은 인간형상의 기형적 성질들을 두루 가지고 있는 것이 특징이다. 창조의 신 브라흐마의 경우 네 개의 팔과 네 개의 머리를 가지고 있고, 재생의 신 비슈뉴 역시 네 개의 팔을 가지고 있다. 종의 기원을 무색케 하는 반인반수의 형상도 부지기수다. 인간형상의 왜곡된 지점에서 신성이 발아하는 이 특이성과 그 내부의 다중적 정체성, 이것은 다만 힌두교의 종교적 특질이 아닌 어쩌면 우리 현대인의 감추어진 페르소나일 수 있지 않을까 생각해 본다.

성유진 회화의 또 다른 특징은 바로 이 부분 즉 내면에 드리워진 다중적 인격과 그 실체에 관한 것이다. 그는 이미 몇 해 전에 출현한 바 있었던 삼쌍둥이 형식의 ‘복수의 자아’를 올해 본격적으로 천착했다. 작품 속에서 한 인물은 마치 거울에 비친 모습처럼 다른 한쪽과 더불어 공존하고 있다. 그런데 그의 다중인식은 이 둘을 남남으로 상정하지 않는 데에서 확인할 수 있듯이 완전히 ‘하나’의 상태로 본다는 것이다. 그의 복수 자아는 다중적일지라도 다시 ‘하나’로 수렴되는 특이한 양상을 내포하고 있는 셈인데, 아마도 그 이유는 그의 증상이 육체의 기형적 상황도 아니고 해리성 장애를 앓고 있는 상태도 아니기 때문일 것이다. 아니 보다 분명한 사실은 그의 장애 인식은 미학적으로 전환된 지점에서 다시 재맥락화 해야만 한다는 사실이다. 나는 그에 관한 첫 번째 글에서 그의 회화적 형상을 이렇게 풀이한 바 있다.

形
성유진의 형形은 고양이다. 그리고 이 고양이는 작가의 분신이며, 회화적 화자話者이다. 그의 일획은 고양이를 닮은 비현실적 자아를 구축하기 위해 출발한다. 반복과 지속의 리드미컬한 긋기와 형상의 아웃라인을 놓지 않으려는 의식의 집요한 긴장이 만들어 낸 이 인물은, 침적된 내면의 트라우마를 그대로 투영하고 있는 듯하다. 과거, 옛 화가들의 초상이 전신사조傳神寫照의 미학을 드러내는 방식을 통해 인물의 정신을 포착했다면, 성유진은 의인화의 방식으로 인물의 내면을 묘사하고 있기 때문이다. 그러므로 형의 시각적 실재, 즉 이 인물이 고양이를 얼마나 닮았느냐는 것은 그리 중요해 보이지 않는다. 다만 그는, 내면의 실체를 최대한의 형상으로 구축하기 위해 획을 그었고, 결과적으론 동거동락同居同樂의 일상을 공유했던 자신의 도반道伴 ‘고양이’로 표현되기에 이르지 않았을까 생각된다.

이글에 노출된 ‘침적된 내면의 트라우마의 투영’과 ‘의인화의 방식’ 그리고 ‘형의 시각적 실재’, ‘내면의 실체를 최대한의 형상으로 구축’하려 했던 성유진의 형상론은 그의 작품이 외연보다는 내연에 더 깊게 관련되어 있음을 증거한다. 그렇다면 왜 그는 이렇듯 심리적인 상황을 파고 들 수밖에 없었던 것일까?

나는 그가 직접적인 장애를 가지고 있지는 않지만 예술가로서 매우 불안한 상태의 심리적 상처를 가지고 있지 않았나 하는 생각을 해 본다. 그의 고백에 따르면, 그가 예술가로서의 길을 가기 전에는 영화 <김씨 표류기>의 여주인공처럼 거의 히키코모리 상태였다고 한다. 히키코모리[引きこもり(ひきこもり), withdrawal]는 “사회로부터 도피하여 자택에 틀어박혀 있는 상태”를 뜻한다. 그들은 자신이 보고 싶은 않은 현실, 불쾌한 사람들, 장소, 집단과 멀리하기 위해 방에 틀어박혀 외부에 나가지 않는다. 때때로 그들은 식사나 화장실을 가기위해 나올 뿐이다. 그래서 그들은 밤낮이 역전된 생활을 하거나 인터넷 중독에 빠져 지내기도 한다. 성유진이 겪어야 했던 히키코모리 또한 다르지 않았던 것으로 보인다. 그가 외부와 소통할 수 있었던 창구는 오직 인터넷뿐이었다. 그 세계에서 그는 메시아의 흔적을 찾아야 했고 심지어 그로부터 구원을 받았다. 그러니까 인터넷이 그를 파멸로 이끈 악마적 도구가 아니라 역설적으로 그를 다시 세상으로 이끌었으며 예술과 만나는 접점이 되었다는 점이다.

성유진의 회화에서 발견되는 복수 자아의 흔적은 해리성 장애와 히키코모리의 절묘한 교집합 즉 사회적 소외에서 비롯된 다중적 인격의 실체일 수 있다. 그는 수없이 다른 내가 아니라 나의 나인 나들을 상상했고 그런 나의 나들을 창출했다. 오직 나의 나여야만 나를 보듬고 사랑하고 슬퍼할 수 있기 때문이다. 복수의 자아를 그린 작품들이 끔찍한 기형적 형상이 아닌 것은 그 둘이 하나의 몸과 정신을 가지고 있기 때문이다. 바로 이 점이 장애를 뛰어넘는 미학적 전환의 플랫폼이다. 그 의미는 앞서 언급했듯이 “나는 나를 증오하지 않는다”, “나는 오직 나로 인해 나이다”의 인식에서 비롯된다.

첫째 나는 나를 증오하지 않는다는 인식은 내 안에 나 이외의 인격을 두지 않는다는 것을 상징한다. 배타적이거나 이기적 존재들로 가득 찬 내면은 증오의 카오스를 피워 올릴 뿐이다. 그가 그 스스로를 망명시켜 오직 유일하게 찾아낸 것이 회화이다. 하여 그는 ‘나’의 분신이자 의인화 된 고양이를 통해 나의 실체를 끊임없이 확인하는 작업을 시도한다. 실타래에서 한 줄의 실을 뽑아내듯이 그는 느린 시간을 즐기며 한 올 한 올 자아의 초상을 그리고 있는 것이다. 그의 화면 앞에 서면 너무도 정직한 선들로 인해 현기증을 느낄 정도이다. 그것을 놓치는 순간 카오스는 그를 낚아챌 것이 분명하다.

둘째 나는 오직 나로 인해 나라는 자각은 고양이도 뿔도 꽃도 풀잎도 모두 나의 편재된 사물들이라는 것을 뜻한다. 나는 어디에도 존재하는 편재된 자아인 셈이다. 하여 그의 화면엔 그렇게 소급되고 호명된 이미지들이 떠돈다. 고갱의 흔적이나 프리다 칼로의 상흔조차도 이곳으로 호명되어 재배치된다. 선禪의 정원에서 구도자는 ‘오직 나’라는 공안에 휩싸인다. 그 ‘오직 나’는 ‘모든 나’로 확장되면서 선의 깨달음에 도달한다. 그에게 있어 회화는 모든 나로 확장되는 유일한 출구이다. 그렇기 때문에 그의 회화야 말로 하나의 증상이며 장애일지 모른다.

성유진은 전보다 더 많이 편안해 진 듯하다. 우선 작품들이 그것을 대변하고 있다. 최근 1~2년 사이의 작품들은 초기작과 달리 너무도 명쾌하고 질서정연하다. 차곡차곡 쌓아 올린 선들이 만들어 내는 초상의 완결성도 낮지 않다. 여기까지 오는 동안 그의 내면은 거친 항해를 지속했을 것이다. 그런데 나는 이런 생각을 해 본다. 예술가는 어쩔 수 없이 샤먼의 영혼을 가지고 있어서 시대와 현실에 대한 전위적 사유와 불온의 일탈을 꿈꾼다. 그것은 삶의 카오스를 온 몸으로 견디어 내며 살아가는 것을 말한다. 삶은 결코 온전할 수 없다. 그렇다면 내적인 평온은 예술가에게 약일 수도 있고 독일 수도 있는 것이다. 무엇이 진리인가는 아무도 모른다. 자신만이 알 뿐이다. 성유진의 초기작들이 그 혼돈의 자기 정체성을 보여주는 소중한 증거라는 사실은 역설적이게도 그가 추구하는 미학적 지향의 증거일 수 있다. 황폐한 내면의 극점에 가 본 자만이 새로운 출발을 시작할 수 있다는 모리스 블랑쇼의 교훈을 되새겨 봄직 하다.

미적 충만이 성취한 내적 치유 - 성유진의 회화를 읽는 네 개의 상징 _ 김종길 미술평론가

2009-04-23T13:51:01+09:00

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미적 충만이 성취한 내적 치유
- 성유진의 회화를 읽는 네 개의 상징

김종길 | 미술평론가

긋다
긋다, 즉 ‘그음’은 일획에서 시작된다. 첫 획을 긋는 행위는 씨알이 터지는 것과 다르지 않아서 한 번 시작된 그음은 그치지 않고, 한 번 움트기 시작한 싹은 멈추지 않는다. 그치지 않는 획은 이랑을 이루고, 멈추지 않는 싹은 통나무가 된다. 하여, 획과 통나무는 결코 흩어지는 법이 없다. 그러나 석도는 여기서 다시 새로운 사유를 펼친다. 그는 자신의 화론에서 ‘일획’에 대해 이렇게 말했다. “一劃者衆有之本萬相之根”, 일획이란 존재의 바탕이자 만물의 근원이란 뜻이다. 예술학적 해제를 적용하면, “한 획을 그음으로써 유위의 세계, 법의 세계가 출발하니 이것이 곧 예술의 시작”으로 읽힌다. 그는 획과 통나무가 다시 흩어져야 예술이 된다고 보았다. 이 흩어짐의 유위를 거쳐야만 회화가 되고 집이 되기 때문이다. 형호는 『필법기』에서 “형태라는 것은 그 형形을 얻어 그 기氣를 남기는 것이요, 진眞이란 기질이 모두 왕성한 것을 일컫는다. 모든 기는 아름다움을 전하고 형상을 남기는 것이며 상象은 죽는 것”이라고 했다.
획의 유위는 어떠한 상태로든 형을 얻을 수밖에 없고, 그것은 통나무처럼 스스로 존재를 획득한다. 형호가 말하는 ‘기’는 거기서 연유한다. 형의 획득과 기의 전유는 결국 일획에서 비롯된다는 두 사람의 주장은 화론의 핵심적 열쇠말keyword이다. 그런데 우리는 이 오래된 화론의 해석을 단지 ‘말’의 뿌리가 아니라 말의 ‘주체’에서 찾아야 한다는 사실을 잊고 있다. 획의 주체, 씨알의 주체는 곧 화가와 농부 그 자신이다. 석도가 자신의 화론에서 주장한 일획론의 근본적인 이유는 미의 구현보다 ‘자아에 대한 인식’에 있었다.
형호의 ‘상’을 다시 보자. 왜 그는 “모든 기는 아름다움을 전하고 형상을 남기는 것”이라 말하고, “상은 죽는 것”이라 했을까? 여기서 아름다움을 전하는 형상은 곧 ‘회화’이라고 볼 수 있다. 그렇다면 象은, 形과 氣, 眞, 美를 발현시키는 근원적 주체일 터이다. 비유가 적절할지 모르겠으나 『데미안』의 아프락사스abraxas로 보면, 形․氣․眞․美는 알을 깨고 나온 새로운 세계이며, 象은 신세계를 위해 파괴된 옛 세계에 다름 아니다. 그리고 우리는 이렇게 달리 부를 수 있을 것이다.

예술은 예술가의 껍질을 깨고 나온다.
예술가는 곧 세계이다.
태어나려고 하는 자는 하나의 세계를 파괴하지 않으면 안 된다.
그 예술은 미를 향해 날아간다.
그 미의 여신을 아프로디테라고 한다.

상은 곧 예술가 자신이다. 예술가는 자신의 예술을 위해 영혼을 태우지 않던가. 형호의 필법은 회화적 주체인 작가 자신을 불사르는 행위이며, 궁극적으로 그 자신의 희생을 통해 예술의 완성에 이를 수 있음을 역설하고 있다. 석도 또한 첫 획을 긋는 주체의 자각과 인식을 통해야만 ‘법의 세계’ 곧 예술에 이를 수 있음을 주장하고 있는 것이다.
성유진의 회화는 ‘긋기’에서 비롯된다. 그의 회화는 형호가 말한 ‘형’의 완성을 위해 ‘그음’의 이치를 탐색하는 것이기도 하다. 그음이 만들어 낸 세계, 성유진은 그 세계의 풍경을 위해 침묵의 수행을 감행한다. 하여, 그의 회화가 탄생하는 작업실은 그음의 수도원이며 또한 영혼의 안식처라 할 수 있을 터이다. 그는 지난 수 년 간 오로지 긋기의 수행을 통해 形․氣․眞․美의 알을 키웠다. 그의 회화는 딱히 어느 단계에 있는 것이 아니라 이 네 개의 미적 개념을 하나의 화면에서 혼융하고 뒤 섞으면서 동시에 새로운 자아로의 탈주를 모색하는 것이다. 우리는 그의 회화적 탈주를 ‘탈아脫我의 미학’으로 읽을 수 있지 않을까. 이제 그 탈아의 미학이 길러낸 네 개의 개념(形․氣․眞․美) 속으로 좀 더 깊이 다가가 보자.

形
성유진의 형은 고양이다. 그리고 이 고양이는 작가의 분신이며, 회화적 화자話者이다. 그의 일획은 고양이를 닮은 비현실적 자아를 구축하기 위해 출발한다. 반복과 지속의 리드미컬한 긋기와 형상의 아웃라인을 놓지 않으려는 의식의 집요한 긴장이 만들어 낸 이 인물은, 침적된 내면의 트라우마를 그대로 투영하고 있는 듯하다. 과거, 옛 화가들의 초상이 전신사조傳神寫照의 미학을 드러내는 방식을 통해 인물의 정신을 포착했다면, 성유진은 의인화의 방식으로 인물의 내면을 묘사하고 있기 때문이다. 그러므로 형의 시각적 실재, 즉 이 인물이 고양이를 얼마나 닮았느냐는 것은 그리 중요해 보이지 않는다. 다만 그는, 내면의 실체를 최대한의 형상으로 구축하기 위해 획을 그었고, 결과적으론 동거동락同居同樂의 일상을 공유했던 자신의 도반道伴 ‘고양이’로 표현되기에 이르지 않았을까 생각된다.
큰 눈과 넓은 이마, 작고 명료한 코와 입, 뾰족한 귀, 그리고 검은 머리칼, 길고 여린 손은 인물의 내적 표정을 잘 묘사하고 있다. 그 중 눈은 바깥을 인식하기 위한 ‘바라봄’이 아니라 내면의 우주적 풍경을 세상으로 열어 놓은 ‘열린 창’과 같다. 그 창을 묵상하듯 응시하면, 한없이 깊은 은하와 마주하게 될 것이다. 그의 몸은 어쩌면 은하를 품고 있는 하나의 거대한 우주일지 모른다. 그런데 이 우주는 또한 대지와 같아서 다양한 상징을 싹틔우고 있다.
인물의 머리에선 뿔 같기도 나무 같기도 한 형상들이 자라나고, 때로는 연꽃을 닮은 ‘움’이 돋아나기도 한다. 우리가 익히 알고 있는 ‘생각’이란 것이 실상은 ‘生角’, 즉 사슴의 뿔로 풀이 된다는 것을 상기하면 그의 회화적 상상력이 얼마나 충만한 것인지 알 수 있다.
최근 작품들에선 이전과 달리 인물을 둘러싼 배경이 등장한다. 이 형상들은 잎으로만 이뤄진 숲이다. 그는 큰 나무나 혹은 나무들의 큰 숲이 아니라 아주 작고 여린, 미세한 곤충들의 숲을 보여준다. 이 숲은 바람에 일렁이기도 하고, 고요하며, 또한 잔잔한 물결처럼 흐르는 초현실적 공간이다. 우리가 아주 낮게 다가서지 않으면 결코 볼 수 없는 세계인 셈이다. 이 숲에 둘러싸인 그의 인물들은 숲의 풍경처럼 고요하고 잔잔하며, 더 깊은 심연을 타전한다.

氣
형을 얻어 기를 남기다고 하였으니, 성유진에게 있어 기란 그의 회화들이 뿜어내는 느낌의 총체일 터이다. 그러나 ‘총체’로서의 통합적 느낌이란 것이 역설적으로는 낱낱의 모세혈관을 관통하여야 하는 것이니, 성유진의 회화를 단지 뭉툭한 시각적 아우라로 판단하는 것은 옳지 않아 보인다. 그러니까, 고양이 얼굴의 의인화된 작품들인데, 어딘지 외롭고 쓸쓸하다거나 무섭다, 소름끼친다, 슬프다 따위의 감성적 소감이야말로 성유진의 회화적 실체와는 하등 관련이 없다. 그것은 문득 바라본 이미지의 아우라일 뿐이다. 그러니 이 아우라를 기라 말한다면 그것은 큰 오해가 아닐까.
그의 작품들은 수 천 수만의 획들이 덩어리가 되고, 형상이 되는 과정을 지난하게 거쳐 완성된. 그리고 그 획들은 자율적 리듬을 타고 지그재그로 또는 둥글게, 아니면 그물망처럼 얽히고 설켜서 그어지는 선들이 아니다. 그의 선은 반드시 일정한 흐름과 방향을 타고 그어진다. 인물만을 두고 보면, 그의 선들은 얼굴의 중앙인 코에서 사방팔방으로 확장되듯 그어지며, 선의 파장은 이 확장선을 타고 ‘바깥’에 이른다. 그러므로 그의 형상은 바깥을 향한 선들이 쌓여서 드러난 존재라고 할 수 있다.
그의 형상들은 똑 같은 캐릭터들이 동어반복처럼 등장하는 단순한 구조로 볼 수도 있으나, 획의 흩어짐과 응집에 의해 사라짐과 드러남을 예시할 수 있다는 측면에서 그의 작품들은 ‘존재 결정론’을 부정한다. 마치 유사 결정론을 차용한 그의 개념은 고양이 형상에 함정이 있는 셈이다. 획의 응결에 의한 형상화가 고양이로 나타났을 뿐 그 본질은 하나의 획에 대한 그의 의지인 것이다. 형을 얻고 그가 남긴 기는 결국 획 그 자체이며, 그런 획이 응결하여 형상을 이룬 ‘내적 자아’일 터이다.

眞
기와 진은 둘이 아니면서 둘이다. 진은 ‘기(질)의 충만함’에서 비롯되는 것이 때문이다. 바꿔 말하면 “획=내적 자아”의 충만함이란 진을 형성하는 가장 기본이 되는 미학이다. 충만, 바로 거기에 진의 핵심이 있다. 그러므로 진은 상象과 대치될 수밖에 없다. 충만에 이른다는 것은 주체의 해체와 영혼의 소진을 필연적으로 요구하기 때문이다. 그러나 성유진은 무엇보다 이 진을 집요하게 파고듦으로써 상의 죽음이나 파괴, 소멸의 요구를 치유의 상황으로 역전시키고 있다.
그는 상처받은 자아의 표상을 회화로 쏟아내기 시작하면서 본격적인 작가의 길에 들어섰다. 자폐에 가까운 ‘자기 소외’를 추궁하며 열린 세계의 소통을 꿈꿨던 그는 ‘그리기’의 언어로 대화를 시작했던 것이다. 그런데 그가 회화적 충만에 이르면 이를수록 그의 상처는 치유되었고, 혼돈에 찬 내면은 안정을 되찾았다. 초기작부터 최근작까지를 시차적 관점으로 바라보면, 그의 작품들이 얼마나 변화되어 왔는지, 얼마나 내적 안정을 이루어 냈는지 느낄 수 있을 것이다.
그에게 있어 진의 충만은 곧 내적 투쟁과 어루만짐의 과정이었을 터이다. 그 자신에 대한 우정과 환대 없이 어떻게 충만의 역사를 이룰 수 있단 말인가. 우리는 그가 성취한 ‘자아’에의 우정에, 환대에 깊은 긍정의 응원을 보낼 필요가 있다. 나는 모든 예술은 자기 치유화의 길을 걷는다고 생각한다. 성유진에게 있어 회화는 바로 그 길의 꽃들이며, 신발이고, 기쁨인지 모른다.

美
그것은 형과 기, 진이 제 삶의 언어로 혼합된 힘이다. 그 힘의 언어에 도달하는 것이 모든 예술가들의 궁극적 소망일 터이고, 성유진도 예외일 수 없다. 그리고 그 힘의 기세를 판단하는 것은 아직 이르다. 예술가는 그가 궁구한 만큼의 힘을 가지겠지만, 언제든 그것은 추락할 수 있고, 자신의 의지와 상관없이 비상할 수도 있다.
이제 네 개의 상징을 품었던 상이 남는다. 象, 그것은 미의 탄생 뒤에 남는 빈 허물이지만, 결코 죽지 않는 예술의 주체이다. 상은 곧 성유진 자신이고, 우리 모두다. 그런데 나는 네 개의 상징보다 이 상의 개념이 매우 중요하다고 본다. 상이 없이는 예술이 결코 탄생할 수 없을 것이기 때문이다. 상이 없는 형과 기, 진, 미를 상상할 수 있는가? 보라, 상은 형과 결합해 형상이 되고, 기와 결합해 기상이 되며, 진상, 미상이 된다.

성유진의 회화는 슬픔이 기쁨에게, 기쁨이 슬픔에게 내미는 손과 같다. 그의 손은 끝없이 펼쳐지는 획으로 예술의 손을 그렸고, 의미화 했다. 그는 그의 작품과 손잡고 아름다움과 형상을 전하려 한다. 우린 모두 그 앞에서 이방인에 불과하다. 그러나 우리가 그에게로 손을 내미는 순간 그의 작품들은 ‘빈 허물’을 이기고, 새 몸을 얻게 될 것이다. 그가 지금까지 ‘외딴 방’에 자신을 가두고 펼쳐 온 예술적 힘은 바로 거기에 있지 않겠는가.
성유진의 예술세계는 이제 어떤 전환의 시점에 와 있는 것으로 보인다. 그의 작품들이 내적 혼돈을 거친 뒤 다시 새 면모를 보이고 있는 이번 전시작들은 이를 증명한다. 그러나 전환과 변화를 통한 미의 모색이 ‘자아의 정치성’을 상실할 때 오는 느슨함은 경계할 필요가 있지 않을까. 그의 작품들이 외적으로는 보다 성숙된 필치를 내 뿜고, 내적으론 평온을 되찾았다고 해서 위에서 살핀 네 개의 상징이 더 커지는 것은 아닐 터이다. 역설적이게도 예술은 위험과 불안, 공포와 억압의 시대에 더 위대한 미학을 피워 올렸다는 것을 상기할 필요가 있다. 나는 그의 회화가 ‘내적 자아’에서 ‘사회적 자아’로 확장되기를 기대한다. 나는 나로부터의 나이기도 하지만, 그 나는 결코 벗어날 수 없는 사회적 나에 의해 존재하기 때문이다. 나의 치유를 통한 사회적 치유의 가능성, 어쩌면 소통의 출구는 거기 있지 않을까!

갤러리 스케이프 전시 서문 - 심소미(큐레이터)

2008-04-10T22:17:05+09:00

Yu Jin, Sung - 갤러리 스케이프-심소미.pdf

성유진의 회화에서 고양이는 개인이 처한 정신적 상황을 표상하는 자아 반영물로 형상화된 것이다. 작가는 불안, 우울, 트라우마 등 사회 속에서 개인이 홀로 직면하는 내면의 공황 상태를 익숙한 대상인 고양이에 전이하여 이성의 통제 없이 표현해 낸다. 온몸이 일그러지고, 커다란 동공이 어지럽게 돌아가고 있는 검은 고양이는 인간의 소외된 혹은 억압된 욕망으로부터 탄생된 것으로 또 다른 자아와의 직면이다. 전작에서 보여졌던 고양이의 과도한 신체적 변용은 이상적 자아로부터 괴리되고 분열된 주체의 실체를 엿보게 한다. 근작에서는 이러한 신체성보다는 화폭에 두상을 가득 채운 채 눈을 내리 깔거나 감는 형상으로 나타나는데, 이는 작가가 줄곧 고집해온 콘테의 그리기로부터 더욱 안정감 있게 표현된다. 자유로운 필치만큼이나 한 번 그으면 수정이 불가능한 콘테의 반복되는 그리기를 통해 고양이는 더욱 겸허해진 인상이다. 욕망으로부터 시작되어 욕망을 비워내는 성유진의 그리기는 이제 분열과 불안의 증상을 보여주기보다 자신의 징후를 고뇌하고 사유하고자 하는 주체로서의 면모로 다가온다.
심소미(큐레이터)

Cats are used as objects in which the individual's psyche is projected in Sung Yujin's paintings. She expresses psychological crises an individual faces in today's society such as anxiety, depression, and trauma without reason's grip, and transfers them to cats, a common subject. The contorted physique and dizzily turning eyeballs of the black cat is a tete-a-tete with mankind's other self borne from neglected, repressed desires. The excessive physical distortion of cats apparent in previous works allow us to look into the core of an entity detached and dissevered from the ideal self. Instead, in recent works, the head of the cat can be seen to fill up the screen, its eyes closed, appearing more stable by the artist's continuing usage of conte. The cat seems humbled by the repetitive drawing of conte, a free but hard-to-correct medium. Sung Yujin's drawings, originating from desires but emptying them out in the process, now appears to be a countenance of self suffering and cogitating its symptoms rather than to show evidence of disunion and anxiety.
Sim Somi (Cuartor)

2008.03.28 상상의 틈, 괴물 되기 - 강효연(서울시립미술관 큐레이터)

2008-03-28T21:50:01+09:00

Yu Jin, Sung-SeMA 2008-강효연.pdf

상상의 틈, 괴물 되기

강효연(서울시립미술관 큐레이터)

이번 섹션에서는 사회, 문화적 상황에 비판적인 의식을 가지고 반응하는 작가들을 소개한다. 이들은 그에 대한 변화의 목소리를 내기 보다는 돌연변이나 괴물 등, 일반인들의 상상이 불가능한 이미지와 형상으로 세상의 또 다른 개체로서 소통하기를 원하는 작가들이다.

최근 1세기의 문화형성과정은 다양한 문화를 접하고 수용해 가면서도 적지 않은 마찰과 변이를 낳았고, 이러한 현상은 이 시대 작가들의 반응으로써 주목하게 된다. 특히, 변이가 자연발생적인 현상이 아닌 부작용의 결과물이자 괴물로 표현되어지는 이시대의 비정상적인 현상이기도 하다. 작가는 스스로 ‘괴물 되기’를 자처함으로써 자유를 향한 탈출구 내지는 카타르시스적 의미를 찾아가는 시도를 한다.

주관적이고 감성적이며, 개성과 자아를 표출하는 젊은 작가들의 자유로운 상상력은 세상과 소통하는 방법이자 세상을 향한 외침이다. 소외된 육체의 은유, 히스테리의 도상학, 서로 무관한 이미지가 하나로 뭉쳐지는 그로테스크(이상한)한 이미지, 식물성과 동물성의 결합 등 괴이하면서도 애틋한, 때로는 재밌게 느껴지는 작품들은 작가들이 채집자와도 같이 수집한 다양한 이미지를 변형시키는 방식에서 비롯되었다. ‘예술과 과학, 미학적인 것과 인류학적인 것의 경계는 영원히 고정된 것이 아니다.’라고 한 제임스 클리포드의 말처럼 작가들은 채집자와도 같이 수집한 문화전반의 다양한 내용의 것들을 조합하고 분해하며 다시 그것들을 재구성하는 작업과정을 거치면서 동시대 미술의 한 영역으로 소개한다.

‘상상’의 틈새를 비집고 나온 ‘괴물’의 이미지는 나무의 틈 사이에서 자라나는 이끼와도 같고, 자연 발생적으로 생성된 현상처럼 이 세상의 일부분으로써 다른 개체와 동등한 가치를 지닌다. 그럼, 왜 ‘괴물 되기’일까. 여기서 이것은 진화론적 의미의 ‘되기’는 아니다. 통상적으로 무엇이 ‘되기’를 바라는 존재적 의미나 무리를 형성하는 ‘되기’를 생각할 수 있다. 특히 자연과 문화 간의 연속성 상에서 발생되는 생성의 의미, 바로 프랑스의 철학자 질 들뢰즈와 펠릭스 가타리가 말하는 결연의 관계 : 공생, 이질적인 것들의 결합, 새로운 의미의 탄생(생명력)을-돌연변이의 탄생, 괴물의 탄생을- 말하는 것이다.

괴물의 이미지는 또한 플라톤의 향연에 등장하는 앤드로기니에(androgyne:자웅동체)와도 같이 태초의 근원적인 부분에 의문을 제기한다. 오늘 날에 와서는 성의 개념에서 젠더(gender)의 의미로 전환되면서 단순히 생물학적 혹은 사회적 구조가 만들어낸 개개인의 역할과 고정관념에서 비롯되어 습성화된 개체의 이미지로 분리시키고 단정 지어 해석하는 예는 많이 사라졌다. 그러나 여전히 개개인의 특수성을 인정받기는 쉽지 않다. 프랑스의 철학자 미셸 푸코의 ‘비정상인들(Les anormaux)’이란 책을 보면 다양한 인간의 이미지, 특히 비정상적으로 평가되어진 사람들, 괴물의 예를 소개한다. 푸코는 사회적으로나 종교적으로 규정지은 틀에서 벗어난 행위를 하는 사람들을 비정상인, 정신이상자 또는 괴물로 치부했던 시대를 예로 들면서 사회구조의 집단적 횡포를 비판한다. 이 책에서는 아주 다양한 비정상인들을 다루고 있는데 이번전시를 설명하기위해서는 한정지어서 이야기 할 필요가 있겠다. 이때(이 책)에 소개된 내용 중에서 동성애자나 자위행위를 하는 어린아이, 몸이 붙은 쌍둥이 형제에 이르기까지 일반화에서 벗어난 예들을 종교적이고 사회적인 규범으로 차단하고 형벌을 가함으로써 다수가 정한 사회의 집단화를 정당화했었다. 이러한 예는 바로 사형과 같은 절대적인 형벌로 이어졌고 이러한 내용을 근거로 푸코는 ‘괴물’을 있을 수 있는 이 사회의 일원으로 받아들이고 이해하고 함께 공존해야 할 이 시대의 동반자로 제안한다. 이러한 제안은 ‘틈(불:la fissure)’의 개념을 낳았고, 이 ‘틈’은 경계를 허물고 새로운 영역으로 확장되어질 수 있는 동기를 부여하게 되었다.

작가들의 심적 능력인 상상력(想像力)은 몽상(夢想)이나 공상(空想)과는 구별되어 설명되어진다. 특히, 칸트 철학에서 ‘상상력은 감성과 오성을 매개로 인식을 성립시키는 능력’을 말하고, 이번 전시에 소개되어지는 작가들의 작품들은 문화전반의 다양한 요소들을 조합해서 만들어낸 상상의 이미지들이 개인의 감수성으로만 설명되어지는 것이 아닌 이성과 감성의 이중주라고 할 수 있다.

그럼, 문화란 무엇인가. ‘자연 상태에서 벗어나, 사회 구성원에 의해 수세기에 걸쳐 형성된 행동양식이나 생활양식의 과정에서 이룩해 낸 물질적, 정신적 소득을 이르는 말이다.’ 이 시점에서 문화가 소개할 수 있는 범위는 굉장히 광범위하지만 수세기를 거쳐 얻어낸 물질적, 정신적 소득 중에서 물질적 소득은 인간의 편리와 예술적 가치를 추구하며 성장할 수 있었다. 하지만 정신적 소득은 그 범위가 아주 난해하다. 수세기를 걸쳐서 종교와 철학, 이념의 논쟁을 불러일으키며 다양한 생각들이 난해하게 쏟아져 나왔지만 여전히 전쟁과 살생을 일삼으며 비수를 들이대는 이 사회의 부조리는 그 끝을 알 수가 없다. 이번 섹션에 소개되어지는 작가들은 규정된 역사적 사명을 띠고 작업을 하는 것이 아니다. 이들은 아주 개인적인 의식으로 하나의 개체로써 인정받기를 바라는 작은 소망을 가진 소소한 사람들이다. 단지, 예술을 하는 작가로써 자신의 작품들을 통해 이해받고 함께 공감할 수 있기를 바랄뿐이다.

더불어 인권이 제대로 정착하지 못한 우리사회에서 한 개인의 감수성을 이해하기란 쉬운 일이 아닐지도 모른다는 생각을 해본다. 특히, 사회집단의 권위와 이익이 우선하고 여전히 개인의 희생을 요구하는 사회적 분위기 속에서 개인적 감성이 짙게 깔려있는 작가들의 작품세계를 이해하기란 쉽지 않을 것이다. 오늘 이 전시장에서 세상과 소통하기를 갈구하는 젊은 작가들의 낯선 이미지가 우리의 감성을 자극할 것이다. 우리 모두 마음을 열고 돌연변이나 괴물의 의미를 조금만이라도 이해할 수 있는 기회가 되기를 바란다.

작가 성유진은 고양이의 이미지와 사람의 이미지를 합체시켜서 표현하는 작가이다. 서울에서 홀로 유학하면서 작가에게 주어진 타향살이는 일상에서 발견되어질 수 있는 고단함, 외로움, 그리고 불안감 등으로 밀려왔을 것이고 작가는 이러한 상황을 작품으로 승화시키게 된다. 작가는 고양이와 함께 생활하면서 고양이를 통해 자신을 발견하기도 하고 자신의 모습을 고양이에 대체시킴으로써 멜랑꼴리한 자화상을 그려낼 수 있었다. 충혈된 눈, 가느다란 손가락, 늘어진 얼굴, 절름발이와 같이 불안한 형상은 작가 자신의 모습으로 설명되지만 동시에 작가 개인에게만 한정된 이미지가 아닌 사회 속에서 발견되어지는 타인의 모습이기도 하다. 또한 작가, 개인의 불안한 바이러스는 전염되듯 ‘다양성(la multiplicité)’를 조성한다. 이 ‘다양성’을 우리는 작가의 작품들로 증식, 연속되어지는 것으로 확인할 수 있다. 특히 작가의 불안감이 담겨있는 작품들은 단순히 개인적인 성향에서만 비롯된 것이 아니다. 외적인 요소, 즉 사회 속에서 발견되어지는 현상으로도 설명할 수 있겠다. 이번 전시에 출품되지 않은 작품 중에서 자화상이기도 한 고양이 캐릭터의 잘려진 귀의 모습을 작품 속에서 자주 발견할 수 있는데, 이는 빠르게 번식하는 고양이의 수를 억재하기 위해서 생식기를 잘라내고 이러한 고양이들을 구분하기 위해서 귀의 일부분을 잘라서 표시한다고 한다. 이는 고양이의 의사와는 무관하게 행해지는 집단 논리의 안타까운 한 예로써, 이러한 나약한 존재의 의미를 우리 인간사에서도 발견할 수 있겠다. 또한 작품 속에서 공통되게 발견할 수 있는 왜소하고 연약한 ‘손’의 이미지는 권력의 상징이자 힘의 상징인 손과 반대되는 개념으로 작가의 손이자 힘없는 약자의 손으로 설명된다.

온 몸이 털로 감싸져 있는 ‘고양이인간’, 과장된 눈과 기이하게 변형된 몸을 통해서 드러나는데, ‘의식이 통제하지 못한 잉여들’, 즉 고통과 불안감에서 형성된 괴물의 모습으로 과감하게 표현됨으로서 카타르시스의 예를 다시 한번 확인할 수 있겠다.

이번 전시에 출품된 작품들, 그리고 작가들은 공통되게 괴물을 만들어내고 있지만 각각의 작품이 의미하는 바는 각자의 다른 경험과 소재와 주제를 가지고 표현되어지고 있다. 타이틀에서 언급한 ‘괴물되기’는 괴물이 되기 위해서 만들어진 것이 아니라 존재되어질 수 있고 존재하는 괴물-이상하고 못생겼으며 나약한 우리네 소외 계층, 또는 특이한 개개인으로 설명되어질 수 있는 모습으로 상징적 의미의 괴물-을 이해하고 느낄 수 있는 계기로 작용하는 전시이기를 바란다. ‘틈’을 비집고 나오는 작가들의 상상력은 새로운 가치이자 희망으로 작용할 것이다. 이러한 틈은 누구에게나 존재하리라고 본다. 우리 스스로 이 틈을 허용할 수 있는 너그러운 마음을 가질 수 있기를 바란다.

2007.08.17 고양이 에어리언의 탄생 - 신양희

2007-08-17T18:50:40+09:00

Yu Jin, Sung-불안바이러스-신양희.pdf

고양이에어리언의 탄생
● 인간과 동물을 결합한 이미지, 반인반수는 신화와 전설을 통해 등장했던 숱한 이미지 가운데 가장 놀라운 것이었다. 인간의 욕망을 차마 인간적인 차원에서 표현할 수 없어, 날 것 그대로의 동물적이고 야생적인 이미지를 통해서 인간의 욕망을 대입시키려는 문명의 소산으로 이해될 수 있다. 인어, 늑대인간, 소인간, 새인간, 말인간 따위는, 모두 인간화할 수 없는 가공할 만한 위력을 지닌 존재들, 즉 동물과의 결합을 통해서 인간의 욕망을 우회하려는 의지를 보여준다. 그런데 다른 존재와의 결합을 통해 인간을 넘어서고 싶은 욕망은 사실, 현실에서 인간이라는 존재가 나약하며 매우 불안하다는 것을 역설적으로 말해준다.

이런 관점에서 보면 성유진이 만들어낸 캐릭터, 고양이인간 역시 인간존재의 불안을 보여준다. 고양이인간은 온 몸이 털로 감싸져 있지만 인간의 신체, 얼굴, 손, 발 을 가지고 있다. 그런데 인간적인 신체들이 정상적인 모습이 아니라는 것을 주목해 볼 필요가 있다. 이는 과장된 눈과 기이하게 변형된 몸을 통해서 여실히 드러나는데, 의식이 통제하지 못한 잉여들, 즉 고통을 보여준다.

그런데 작가는 불안을 굉장히 안정적인 구도로 잡아낸다. 사실, 불안을 안정적으로 형상화한다는 것은 아이러니 한데, 대부분의 작품에서 캐릭터는 화면의 중심을 점하고 있다. 때문에 정적인 공간과 대조적으로 변형된 신체는 불안을 극대화 한다. 변형된 신체를 통해 불안을 표현하는 것, 그 중에서 불안을 내면화하는 대표적인 장치가 바로 ‘눈’이다. 〈자화상〉연작에서 알 수 있듯이 ‘눈’은 아무 것도 응시하지 못한 눈, 동공을 지워버린 눈, 여러 방향을 동시에 응시하는 눈, 때로는 눈을 감아버리기도 한다. 또한 〈눈물〉이란 작품에서 눈물은 ‘눈’ 외부로 떨어지지 못하고 내부에서만 흘러내리게 된다.

한편으로 ‘눈’과 달리 성유진에게 몸은 통제가 불가능한, 무의식이 스멀거리는 장이다. 〈절름발이〉, 〈불안 바이러스〉, 〈거꾸로 추락하다〉, 〈생산적 구토〉, 〈눈물〉에서 텅 빈 외부공간은 과잉된 무의식을 압박하지만, 꺾어진 관절과 흐물거리는 살은 신체의 유기적인 흐름을 방해하며 불안을 온 몸으로 드러낸다. 더군다나 사지가 찢겨 나간 〈자기소외〉라는 작품에서 쏟아 나오는 것은 피가 아니라는 것, 억압받던 무의식이 뭉게뭉게 피어오르는 것을 보게 된다.

그렇다면 고양이인간은 불안을 극복하고 인간을 넘어설 수 있을까. 사실, 인간을 극복하기 위한 과정은 자연히 통증을 수반하기 마련이다. 이것은 어느 정도 이야기를 추출해 낼 수 있는 작품 〈희미한 희망〉, 〈나의 방〉, 〈고통〉에서 잘 나타난다. 〈나의 방〉에서 뜯겨져 나간 벽과 바닥의 중앙에 놓인 서랍 위에 앉아 있는 고양이-인간의 시선은 외부로 나가는 계단을 향해 있다. 또한 〈희미한 희망〉은 온 몸에 불안을 안고 있는 고양이-인간과 왼쪽 창문틀에 앉아 있는 고양이-새가 붉은 실은 물고 있는 장면을 연출한다. 갇힌 방 안의 고양이-인간, 인간을 넘어서려 하지만 좌절되고야 마는 현실의 불안들. ● 이러한 불안이 정점에 달하는 작품은 〈고통〉이다. 이유는 알 수 없지만 고양이-인간은 스스로 수술용 침대가 되어서 몸속으로 액체를 투여받는다. 그런데 눈여겨 볼 것은 이 액체가 외부에서 몸으로 들어오는 것인지 아니면 몸 안에서 액체가 생성되어 외부로 빠져나가는 것인지가 모호하다. 어쩌면 이 액체는 의식이 감당하지 못하는 이물질들, 오이디푸스기를 겪는 과정에서 철저히 탄압받던 몸의 잉여물들이 귀환하려는 것으로 볼 수 있지 않을까. 사회적인 인간으로 거듭나는 과정을 주저하는 것, 그래서 고양이인간은 고통스럽다.

세상이 요구하는 인간, 보편적 질서를 몸으로 받아들일 수 없기 때문에 고양이인간은 인간이면서 동시에 인간이 아닌 길을 선택한다. 사회가 요구하는 매끈한 주체를 거부하기 때문에 온몸은 비틀어지고 발진으로 시달리게 된다. 고양이인간은 작가가 만들어 낸 독특한 캐릭터임은 분명하지만, 그것은 결코 작가의 것이 아니다. 어쩌면 고양이인간은 무의식을 철저히 통제하며, 사회화된 인간으로 살 수 밖에 없는 세계에서, 불안한 주체들의 통증을 보여주고 있는 것은 아닐는지.

■ 신양희

Daimaru & conte - 작업으로써의 재료, 재료 로써의 작업

2007-03-24T23:18:51+09:00

Artist YU JIN _ Conte.pdf

콩테 ; Conte

연필의 원조라고 할 수 있는 콩테는 원래 'Crayon de Conte' 라 불리는 고형 물감의 한 종류로 프랑스의 화학자이며 화가였던 니콜라 자크 콩테(Nicolas Jcques Conte)가 만들었다고 해서 창안자의 이름을 따서 콩테(conte)라고 명명하고 있다. 제조회사에 따라 생귄이라는 색명을 부르기도 하고 초크(chalk)라고도 한다. 전통적으로 천연 소재를 그대로 보여주는 세 가지 색이 사용된다. 콩테는 농담이 풍부하며 옛부터 콩테화로서 하나의 회화분야를 형성해왔다. 크레용과 같은 재질로 데생보다 크로키에 적당하며 연필보다 농도가 진하고 화면의 부착력도 우수하다. 특히 흰색 콩테는 초크라고도 하는데 석회석에 물과 고착제를 섞어 만든 것으로서 목탄이나 콩테로 그린 그림의밝은 부분을 강조할 때 많이 사용된다.

Conte 는 연필처럼 사용하기 편하게 만들어져 나오는 것도 있고, 스틱으로 판매되는 것도 있다.
연필모양으로 판매되는 것은 크로키로는 적당하지만, Conte를 주 제료로 그림을 그리는 경우엔 스틱을 선택해야 한다. 호미화방에서 판매되는 Conte 는 제조사에 따라 농도와 부착력이 틀리다.

2004 conte on works

Conté Set-48 Assorted
This set consists of white, flesh, peach, Naples yellow, lemon yellow, yellow, golden yellow, indian yellow, light orange, orange, natural sienna, umber, red brown, red earth, mahogany, bistre, natural umber, madder, garnet red, red, scarlet, blush, pink, magenta, lilac, purple, violet, Persian violet, dark ultramarine, ultramarine blue, blue, light blue, sky blue, Payne's gray, aqua, prussian green, teal, olive green, dark green, light green, lime, spring green, mineral green, light olive, cool gray, light gray, dark gray and black.

종이에 Conte 를 그었을때에 질감이다.
천이나 캔버스등 기본 재료에 따라서도 달라진다.

Conte 는 기본재료에 특성상 마감이 쉽지 않다.
마감은 여러 가지 혼합물질을 사용해 유화 만큼 완벽한 안착이 가능하다.
Conte ( 콩테 라고 불리기도 하고, 꽁테 라고 불리기도 하지만 난 왠지 콘테 라고 부르고 싶어진다.)
conte로 그림을 그리고, conte 에 안착에 대해 고민하면서 부터, 그 질감과 색감에 손실이 없는 마감처리에 방법을 찾아내기 위한 고민이 많았다. 여러 재료를 구입해 사용해 보면서 재료비도 만만치 않았고 그에 따른 도구 비용도 무시 할 수 없을 정도로 들었다.
여러 가지 재료가 있고, 다른 작가들과 마찮가지로 나 역시 여러 가지 재료를 사용하지만, 가장 기본적인 재료라고 할 수 있는 conte 는 기본이라는 원초적인 느낌만을 만족시켜 주기만 하는 것은 아니다.
어떤 재료보다도, 테크닉적이고 감각적인 매력이 있고, 사용하면 할수록 재료를 정복하고 싶어지는 욕심이 생기게 한다.
작업이 재료에 굴복 당하는 것은 스스로 챙피한 일이다.

EGO'S House(63×84)

EGO'S House(59×84)

EGO'S House(60×84)

conte on cloth 2006

anguish (130×97cm)

my room (130×97cm)

conte on cloth 2007

blooming (122×122cm)

a faint hope (80×120cm)

conte on cloth 2007

Conte 작업에 있어서, 내가 가장 걱정하며 실험을 했던 부분은 바로 마감에 대한 실험 이었다.
미술 재료로 사용되는 마감재 부터 해서, 공업용 마감재, 코팅재까지 화방과 을지로에서 사용해 볼만한 재료들은 모두 사용해 봤다 해도 과언이 아닐 것이다.
기존엔 광목천을 기본으로 해서, 광목천의 최대 한계 올 수라는 30수 광목천까지 (이것도 동대문 일대에서 구할 수 있는 얼마 되지 않는 품종이었다.) 기본 광목천에 대한 마감이 생각 보다 쉽지 않다는 결론을 내리고, 천 종류를 바꿔 보자는 생각에 을지로와 동대문 일대를 돌아다니며 천을 구입했다.
1년 정도를 천에 관심을 두고, 작업을 하던중, 찾게된 daimaru 천은 기존에 내 나름대로 구축해 놓은 마감 비율을 테스트 하기에 적합한 천이었다.
이 천을 테스트 해보기 위해, 구입을 할때 다른 천들에 비해 고가 인데다가, 공장에서 롤단위로 밖에 구입을 할 수 없었기에 울며 겨자먹기로 실험용 천으로 50미터 한롤을 구입했다.
이 천에 대한 마감을 테스트 하면서, 천의 신축성 때문에 참 독특한 마감비율을 보이는 것을 확인 하게 됐다.

가끔 내 콘테 작업에 대한 마감방법을 궁금해 하며 질문 하는 분들을 만나게 되는데,
그때 마다 그냥 바니시를 사용한다고 말을 건낸다.
하지만, 이게 모두는 아니고, 조금더 구체적으로 말하기엔 그 방법을 필요로 하는 사람이 아니라는 생각에 진실을 말해주지는 않는다.

천에 대한 질문 또한 그렇다. 이 천을 찾기 위해 들인 돈이나 시간을 생각하면, 알려주지 말아야지~ 하는 생각이 들지만, 기본적인 미술 재료의 틀안에서 학습하다 또 다른 자신의 재료에 갈증을 느끼는 사람을 만나, 내가 그 갈증에 자극 받을 수 있는 사람이라면 누구나 찾을 수 있는 이 천에 대해 입다물고 있을 이유는 없다.

다이마루 천은 이중천에 조합된 천이다. 어찌 말하면 다이마루 라는 말도 내가 사용하는 말 일뿐, 천 시장에서 다이마루는 아주 흔한 천으로, 어떤 조합으로 사용하느냐에 따라 콘테 사용에 적합할지 아닌지 결정된다.

다이마루 조합을 지금은 두가지 방법으로 사용하고 있다.
한가지 방법은 단종된 천이 사용되어야 해서, 그 천을 어떻게든 확보할 수 있는데로, 최대한 확보해 볼 생각이다. 천 시장에서도 많이 사용되지 않는 천이고, 미술계쪽에서 사용되는 재료도 아니다 보니, 적절한 재고 확보가 중요한 재료라 할 수 있겠다.

2007.02.09 맨몸으로 길 한가운데 나 앉아 있는 나와 당신

2007-02-09T15:26:01+09:00

고독한 현대인은 자신에 내면을 숨긴다.

나 또한 나의 외로움, 불안, 고독함을 숨기고 조용히 방안에서 표출하거나 더욱 더 억누른다.
시간이 지날수록 그런 것들은 고름이 되어 터지고,
아물지 않고, 더욱 더 벌어져
어디서 부터 치료해야 할지 방법조차 찾지 못한다.
고독함, 우울함, 외로움...
사회에서 부정적 시선으로 거부하더라도, 드러내야 한다.
이러한 외면당한, 사회에 의해 만들어진 개인들의 아품이
다시 사회적 무제로 대두되지만, 사회는 다~ 개인을 탓하기에
사회에 기댈 수 조차 없다.
사회적 개인 스스로가 자신의 상황을 이해하고 받아들일 수 밖에 없다.
...

시작해 보자, 자신의 또 다른 내면을 보여줌을..
이대로 살다가는 자살한다.

남이 손가락질 하던, 무시하던 신경쓰지 말고, 강하게 사는 것이 더 좋지 않은가, 물론 귀찮겠지만, 재미없는 삶보단 좀더 열정적인 삶을 살자.

이것은,...

개인에서 시작해 공통적 요소를 가진 개개인들이,

내 그림을 통해서 다시 자신을 바라보고
이러한 요소가 배제된 사람들은 거부감이 들겠지만, 어느정도 인식하기를 바래서이다.

협오스러운 것은 소통하는 것이 아니다.
내 안에 혐오스러워 보이는 것들은
재료로 표출된 내 장난 일 뿐이다.

나는 즐거운 상상을 한다.

난, 즐겁지 못하면 살아갈 수 없는 사람일 것이다.
그렇기에 내가 가지고 있는 것들은 사회적이란 단어로
불안과 거부, 소외라는 무제적 실체를 만들어 낸다.
내안에 있는 것이 불안하기만 한 것일까?
난, 입에서 털이 나오는 즐거운 상상을 했을 뿐이다.

내 ego 라는 고양이는 맨몸으로 길 한가운데 나 앉아 혐오와 소통을
동시에 바라는 것이다.

소통,

스스로 소통을 거부하면, 자신 내면의 아품은 씻겨가지 않고,

그 아품은 익숙해져 감정을,.. 마치 강한 마취약을 섭취한 것처럼
무덤덤해 진다.
개인과 개인, 개인과 사회, 개인과 환멸,
모든 요소와 소통하고, 상호작용을 해야 내면의 아품은 엷어질 수 있다.

회화는 밖으로 나가기 어려운 분야이다.
번거롭고, 관심받기에도 쉽지 않고, 무엇보다 훼손되기 때문에
쉽사리 들고 나가기가 쉽지 않다.
퍼포먼스, 조각, 설치... 다양한 방식들이 있지만
내 이야기를 가장 잘 표현할 것이 회화이고,
집구석과 갤러리에 숨어있는 나 자신이 나가야 할 곳에
그림도 함께 들고 나가 보자고
생각 했다.

내가 가지고 있는 대인기피, 대화부적응, 소심함, 부정적 사고를 이런 계기로
내 스스로에 인식을 변화해 보려 한다.
오히려 이런 점들이 결과적으론 더 강해질 수도 있을 법 하고, 시도라는 점에서
스스로를 다독이며 나가보려 한다.

2007.01.22 기억한다.

2007-01-22T15:22:28+09:00

기억한다.

구상(具象)과 추상(抽象)을 포함한 모든 것들의 근원적인 한계가 불안하다.
최초의 팽창을 시작한 이래 끊임없이 비산하고 있는 물질은, 진동이 끝난 고요의
세계가 새로운 팽창을 할 그 순간까지 계속해서 허물어질 숙명을 지니고 있고,
그런 물질에 기반을 두고 있는 정신은 그에 귀속된 운명을 타고났다. 결말지어진
거시세계의 찰나에 불과한 미시세계의 순간을 살아가는 우리들은 모든 것이
불확실하다며 불안해하고 있지만, 이미 한정지어진 그 사실을 모르기에 불안해
하는 것이 아닐까? 앎의 한계라는 전제아래, 언제 삶이 끝날지, 어떻게 그런
삶 속의 소유가 사라질지, 그리고 그렇게 의문투성이인 다른 삶들의 엉킴으로
자신의 삶이 언제 어떻게 될지 모른다는 것은 불확정적인 그 자체로서 불안을
잉태한다. 하지만, 이 불안이 부정적인 무엇이라는 생각은 들지 않는다.
불안이야말로 우리를 존재답게 하고, 찰나의 순간을 한껏 살아갈 수 있게 하기 때문이다.

2008.02.27 작가노트

2008-02-27T00:16:56+09:00

Artist YU JIN_20080227 artist note.pdf

Anxiety (불안)

“여기 단순히 그려진 것 같은 그림 속에는 항상 반복되는 것이 있다.

저 절름발이는 스스로를 묶어서 끌고, 밖으로 외출을 나가려고 한다.

밖으로 나갈 수 있는 건 절름발이도 묶은 자신도 아니다. 아무도 나갈 수 없다.

이게 내가 갖고 있는 구속과 틀이다.

내가 피곤하고 불안 해 해야 하는 이유이기도 하다.“

예쁘고, 아름다운 것은 사람들과 쉽게 이야기 되고 함께 바라보고 하며 일상에서도 숨겨지고 외면되기 보다는 그것을 알지 못하면 외면되는 것이 사회에 모습이라고 생각한다.

개인이 소외되는 것을 내 이야기의 범위를 벗어나 사회적이거나 경제, 현실 등을 설명하며 이야기 할 수는 없다.

포괄적, 사회적 범위 안에 내가 속해 있는 것은 사실 이지만, 시각적으로 난 그것을 바라 볼 수 없기 때문이다.

내가 바라볼 수 있는 것은 단순히 내가 속한 범위에서의 느낌 뿐 이다.

내 생활 속에서 나는 사람들을 만나며 불안 해 하고, 경제적 미래를 생각하며 불안 해 하고, 이런 것을 생각해야 함에 또 불안 해 한다.

결국, 혼자 있어도 불안하고, 함께 있어도 불안하다.

불안은 겉으로 잘 들어나지 않는다. 내게 있는 불안이 나로 인한 것이 아니라고 생각 되면서도 이것을, 스쳐 지나는 사람들까지도 모두 볼 수 있도록 풀어 놓을 수는 없다.

풀어 놓는 다는 것이, 또 다른 불안을 만들어 내기 때문이다.

불안은 타인에게 전염되기 보다는 자신에게 확장되는 특성이 있다.

불안은 풍선과 비슷한 것이라 생각 한다.

풍선에 바람을 계속해서 불어 넣으면 어떻게 될 진 누구든 알 수 있다.

부풀 때로 부푼 풍선을 나는 이미 여러 개를 품고 있는 느낌이다.

불안을 담아내는 내 작업은 딱딱한 사회적 개념을 설명하거나 타인과의 일방적인 소통을 말하기 위한 것이 아니다.

해소, ... 불안을 평범하게 하는 것, 일상의 사소한 이야기들 처럼 불안은 병이 아닌 평범한 일상의 일부라는 것을 받아들이기 위한 작업이다.

자신을 부정하고, 자신을 긍정하길 반복하는 것이 내 작업의 시작이며 끝이다. 나는 작업을 통해 반복되는 이 과정으로 내 그림과 대화를 하게 된다.

고립된 내 안의 자아, 불안에게 통로를 만들어 스스로 대화를 시도하는 것이다.

2008년 성유진 (Sungyujin)

2007.09.21 Artist NOTE

2007-09-21T00:14:48+09:00

Artist YU JIN_20070921 artist note(eng).pdf

1. Cat human

3 years ago, I disappeared. I disappeared from my friends and family. And I locked myself in my small room. No TVs, no cellular phones. I was afraid of going out of the room, even to the supermarkets around the area. After I lived like that for one and half year, just when I started to get bored and to think about stepping outside my room, there came this cat. I was left with a cat which one of my remote relatives suddenly brought me.

I had to take care of it. At the beginning it was so weird and interesting to see a cat around my room. So I began to draw it. As the time goes it became a part of my everyday and in my drawing the cat actually became united with my self portrait.

-‘A Cat human’

In my drawing, the eyes of the cat are looking different directions or firmly closed. Its figure and legs are abnormally bent or crooked. The objects(a house, bed, plant, space etc.) are broken or combined with the body of a cat.

The Cat human has become no more a cat neither a human. This weird and unknown creature sometimes fills up the picture obsessively or settles right at the center of the picture. The composition is often symmetrical that can be found in the traditional Buddhist painting, which was my major in university. The Mandala-like patterns inside the eyes are turning round and round like a saw-toothed wheel. Inside the confused eyes there is certain consciousness, but the world that the eyes are looking is too complicated to understand. Both the ‘self’ and the world where the ‘self’ belongs are creating an anxiety, but the anxiety actually comes from nowhere. The fact that you don't know where it come from creates the anxiety again.

2. Black lines digging into the inner side

The Conte pastel is fascinating medium. It’s simple and instant. So usually, it used easily to make simple sketches and croquis. But I found contes could do more than that. When the lines lay on and fill the surface, it gets very unique depth, which cannot be made up by a brush. I feel more like scratching than drawing when I make simple lines repeatedly and obsessively. I draw lines, and spray the fixative onto it, and then draws more lines on the top of it and so on. I repeat this procedure until I get the deep and rich black. The lines become the surface and space. It makes the texture of the hair of the cat and people often say it’s so touchable that they could actually stroke the cat;I had to find out to fix the contes perfectly so that it wouldn’t be smudged out when they stroke the cat. I have tried various grounds, colors and fixatives and I will explore more materials. And I want to see what else I can do with contes.

3. ‘Anxiety Virus’

When I stayed in my room for one and half year, the internet became the only access for me to the outside world. I did web surfing and visited hundreds of blogs of others. And I found the vague anxiousness hidden in many of them. It gave me some kind of relief that I was not the only one who was unrest. Korea is a country blessed by the internet, everyone has their own online space. On the internet it is easier to talk about one's personal feeling such as anxiety with others just like everyday conversation.

The Anxiety Virus(2007) is a project began with the idea of communication. It involves both online and offline exhibition. First I explored a thousand blogs. Then I sent my drawings to a few selected bloggers. I chose a certain work among my drawings for each of them. And they sent me back their messages which was either simple comments about my work or their own story about the anxiety. Each drawing has got an individual room that people can keep visiting. In each room we communicate with each other by comments or ‘track-backs’. It is an on-going exhibition that requires people’s participation. I don’t want my drawings to be just one-way conversation but an access to anyone who will bring up their own story.

The Anxiety Virus is a project for me to look keenly the inner side of myself. It is also an opportunity for me to step backward from myself and contemplate my inner side as well as my works. I’m going to continue the project for 3 years.

For an artist, the art work is a ‘language’. (S)he communicates with others in the work, and I think the Anxiety Virus project maximizes this idea of communication. My work was started from a private and personal story. But on the other hand, it was not just a story of mine. People derived their own stories from my work. “One’s anxiety does not just belong to oneself.” - This is the main concept of my work.

2007.09.21 작가노트

2007-09-21T00:13:50+09:00

Artist YU JIN_20070921 artist note(kor).pdf

“예술가들은 작업을 통해 소통하고자 한다. 그들은 작업을 통해 다른 이들과 소통하고, 나는 불안 바이러스가 이러한 소통에 대한 생각들을 극대화 해줄 것이라 생각한다. 그림 속의 이야기는 내 개인적 이야기로 시작되지만 그것은 단순히 나만의 이야기가 아니다.”

1. 고양이 인간

3년 전 나는 도망쳤다. 친구와 가족들로부터 사라지고, 내 방안에 스스로를 가둬버렸다. TV도 없었고, 핸드폰도 없었다. 동네 슈퍼에 가는 거 조차도 두려웠다. 1년 반 동안 그렇게 지내면서 그런 생활이 너무나 지루하고 심심하게 느껴 져서 외출을 시도했을 때, 고양이가 내 앞에 나타났다. 그 고양이는 나의 먼 친척이 사정으로 인해서 나에게 입양 보낸 아이였다. 처음에는 내 방안에 고양이가 있다는 것이 낯설기도 하고 신기하기도 했다.

고양이를 그렸다. 그림 속의 고양이는 나와 함께 있는 고양이지만, 나와 고양이는 각각의 독립체였다. 고양이가 내 일상의 한 부분이 되면서 내 그림 속의 고양이는 나의 자화상에 합쳐졌다.

‘고양이 인간’

내 그림 속에서 고양이 눈들은 서로 다른 방향을 보고 있거나, 굳게 닫혀있다. 팔과 다리들의 관절들은 비정상적으로 구부러지거나, 꺾여있다. 사물들(집, 식물, 공간 등)은 일그러져 부서지거나, 고양이의 몸과 결합되었다.

고양이 인간은 인간도 고양이도 아니다. 기이하고 알 수 없는 존재는 그림 한 가운데 자리잡고 있다. 구도는 종종 대칭을 이루며, 내가 전공 하였던 전통 불화에서 나타나는 방식이다. 고양이 눈 속에 만다라 형상의 패턴이 톱니바퀴처럼 돈다. 현혹스러운 눈 안에 의식은 있지만, 그 세계는 너무나 모호하고, 이해 할 수 없다. 나와 내가 속한 세계는 불안을 만들어 내지만, 그 불안이 어디서부터 오는지 알 수 없다. 이 모호한 것이 또 다른 불안을 만들어 낸다.

2. 내면을 파고 드는 검은 선

콘테는 매력적인 재료이다. 단순하고 즉흥적이다. 보통 콘테는 간단한 스케치나 크로키로 사용 된다. 하지만 나는 좀 더 나아갈 수 있는 방향을 발견했다. 선으로 표면을 채울 때, 붓에서는 느낄 수 없는 독특한 깊이를 준다. 반복적이고 강박적인 선들이 캔버스를 긁어내듯이 스치면서 그려진다. 선들이 쌓여 면이 표현되면서 그 선들은 더 이상 선이 아니게 된다. 그 선들은 표면과 공간을 표현한다.

선들이 표현한 털이 덮힌 고양이 몸은 사람들이 그 고양이를 마주하면 만지고 싶은 충동을 느낀다고 한다. 그래서 완벽히 마감을 해야 했고, 사람들이 고양이 인간을 만지면 더 이상 뭍어나지 않는 방법을 발견했다. 다양한 캔버스 천, 색상들, 마감법과 다양한 회사들의 콘테들을 실험하고 있다. 콘테를 통해서 좀 더 독특하고, 페인팅 못지 않은 완성도를 표현 할 것이다.

3. 불안 바이러스(‘Anxiety Virus’)

내 방에서 바깥 세상과 접근 할 수 있었던 것은 인터넷이었다. 웹 서핑을 하고, 1000개의 블로그를 방문했다. 그리고 나는 많은 블로거 중에 몇몇은 나와 같은 모호한 불안을 가지고 있는 것을 보았다. 그것은 내게 안심과 같은 것을 주었다. 인터넷을 통해서 불안을 이야기 한다는 것은 다른 이들과 일상을 이야기 하는 것처럼 쉬웠다.

불안 바이러스(2007)은 이러한 생각들을 대화하고자 했던 프로젝트였다. 이것은 온라인과 오프라인의 전시를 모두 포함시킨다. 먼저 나는 1000여개 블로그를 돌아다니고 그들의 글을 읽었다. 선택 된 몇몇의 블로거들에게 내 그림을 보냈다. 각각의 그림을 개개인에게 보낸 것이다. 그리고 그들은 내 작업에 대한 간단한 글이나 그들 자신의 불안에 대한 이야기를 내게 보내주었다. 이런 피드백을 위해 각각의 그림들은 독립적인 방들을 지니게 되었고, 사람들은 계속 방문 할 수 있다. 그 각각의 방들은 댓글이나 트랙백을 통해서 소통한다. 이것은 영구적인 전시이고, 사람들의 참여를 필요로 한다. 나는 내 그림이 한 가지 방식으로 소통되길 원하지 않고, 그들 자신의 이야기를 가지고 함께 소통 하길 바란다.

불안 바이러스는 내면을 바라보면서 내면의 공간에 안주하지 않고, 제3자의 시각으로 나와 내 작업을 바라보기 위해 시작하였고, 3년의 기간을 두고 차분히 진행해 나갈 것이다.

예술가들은 작업을 통해 소통하고자 한다. ,그들은 작업을 통해 다른 이들과 소통하고, 나는 불안 바이러스가 이러한 소통에 대한 생각들을 극대화 해줄 것이라 생각한다. 그림 속의 이야기는 내 개인적 이야기로 시작되지만 그것은 단순히 나만의 이야기가 아니다. 사람들은 내 작업을 통해서 그들의 이야기를 찾고자 한다. “개인의 불안이 단지 개인에 한정 된 것이 아니다.”

이것이 내 작업의 근본적인 개념이다.

신경증 고양이 - 이병희(미술평론가)

2007-08-24T00:12:16+09:00

Yu Jin, Sung-신경증 고양이-이병희(평론).pdf

신경증 고양이

이병희(미술평론가)

부산의 대안공간 반디에서 작년부터 본격적인 활동을 하기 시작한 젊은 작가 성유진의 전시가 진행중이다.

작가의 작업은 온라인상의 블로그에서 또한 진행중인데, 여기서 그녀가 창조해낸 괴상한 고양이의 이야기는 마치 바이러스처럼 곳곳으로 퍼져나가고 있다.

최근 많은 젊은 미술 작가들은 독특한 그들만의 캐릭터를 내세워 개인적인 이야기들을 풀어내고 있다. 그것들은 단지 화가의 초상이나 상상의 피조물을 제시하는 데 그치지 않고, 현대인의 다양한 모습들을 엿볼 수 있게 한다. 그것들은 몽상을 하거나, 환상의 세계에 있는 것처럼 보이며, 알 수 없는 우울함이나, 슬픔과 같은 것에 젖어있거나 고통스러워하는 모습으로 종종 등장한다. 과연 이러한 정서는 어디에서 기인하는 것이며, 왜 그런 것일까.

성유진의 고양이는 콘테로 그려진 까만 털의 고양이이며, 거의 털이 다 벗겨진 가늘고 긴 신경질적인 손가락을 지니고 있다. 마치 그 고양이는 만성적인 불면증에 시달리고 있는 것처럼 항상 눈가는 빨갛게 충혈되어 있고 표정은 우울하고 매우 피곤해 보인다. 그 고양이는 때론 책상과, 때론 나무와 일체가 되어있는 것처럼 보이기도 한다.

물체들은 검은 고양이의 몸의 일부이기도 하며, 어떤 경우는 토막 난 고양이의 몸에서 무엇인가 고통을 암시하는 듯한 덩어리들이 뭉게뭉게 피어나고 있다. 아마도 이런 모습은 이번 전시 제목 <불안 바이러스>가 암시하는 것처럼 불안 덩어리인 고양이가 일종의 바이러스를 주변으로 증식, 감염시키는 상태를 암시하는 것일 것이다.

왜 하필 불안바이러스일까. 그리고 왜 우리는 비교적 분명한 사랑바이러스, 행복바이러스, 혹은 살인바이러스, 심지어 자살 바이러스도 아닌 불안이라는 무엇인가 쉽게 알 수 없고, 확실한 근원도 없으며, 서서히 사람들을 잠식해가는 그런 바이러스에 많은 공감이 가는 것일까. 불안이란 마치 대기처럼 곳곳에 스며들어 퍼져나간다.

그것의 원인과 이유는 정확히 알 수 없다. 누구도 눈치 채지 못한 채, 그 바이러스에 감염된다. 감염된 자의 눈은 충혈되어 있고, 항상 만성적인 피로에 시달리며, 대인관계나 사회관계에 대한 두려움이 있으며, 온갖 신경이 곤두서서 작은 자극에도 민감하고, 미래에 대한 걱정과 근심 속에서, 은밀한 혼자만의 환상이나 상상의 공간을 찾고자 한다.

이렇게 주변으로 증식해가는 일종의 바이러스이기에 불안의 초상은 단지 예민한 한 개인의 문제가 아닐 것이다.

그것은 개인의 영혼뿐만 아니라, 그 개개인이 속한 사회 전체를 잠식하며, 사회 전체의 기능을 마비시키는 지도 모른다.

그러나 어쩌면 극도로 부정적이고 비관적인 이런 모습이 우리가 우리 자신과 새롭게 만나기 위해 거쳐야하는 근본적인 반성의 바로 그 순간이라면 어쩔 것인가. 여기서 우리는 현실속의 갖가지 고통, 불평등, 불합리, 부조리를 근본적으로 해결하려는 사회전체의 몸부림을 보는 것은 아닐까.

2006.08.27 자아를 찾는 고양이 여인 - 고경원

2006-08-27T00:09:30+09:00

Yu Jin, Sung-자아를 찾는 고양이 여인-고경원.pdf

[고경원의 그로테스크 아트 9] 자아를 찾는 고양이 여인

--- 성유진의 드로잉, 그 속에서

고양이와 개는 언뜻 보기에 비슷해 보이는 반려동물이지만, 그 차이는 적지 않다. 부르면 잽싸게 달려오고 우직한 충정을 보이는 개와는 달리, 고양이는 사람이 불러도 콧방귀나 뀔뿐더러, 여간해선 제 감정을 드러내지 않는다. 고양이의 애정 표현이라고 해봐야 가끔 생각난 것처럼 반려인의 다리에 제 몸을 툭 스치며 사라지거나, 몸을 쓰다듬어주면 그렁그렁 소리를 내는 정도다. 게다가 어둡고 좁은 곳을 어찌나 좋아하는지. ‘고양이처럼 속을 알 수 없는 사람’이라는 말이 나온 것도 이런 고양이의 습성에 빗댄 것인지 모른다.

동물 같기도 하고, 여인 같기도 한 돌연변이 생명체의 모습. 고양이의 모호한 매력은 바로 여기에 있다.

고양이와 함께 사는 화가 성유진은 이렇듯 속내를 알 수 없는 고양이의 모습에 자신의 자아를 반영한 그림을 그린다.

그는 종이 위에 고양이털을 심기라도 하듯이, 콘테로 섬세한 선을 한 가닥씩 긋는 일을 반복하면서 서서히 그림을 완성 시킨다.

최근 주목받는 현대미술 작가들 중 대다수가 작품에 대한 개념만 제공할 뿐, 실물 제작은 공장에 맡겨 공산품처럼 깔끔하게 완성된 결과물을 생산해낸다는 사실도, 성유진에게는 아무런 감흥을 주지 못하는 듯하다. 그가 믿는 것은 오로지 자신의 성실한 손이다.

마치 구도자가 한 가지 화두를 반복해서 되뇌며 마음을 닦듯이, 성유진은 순수하게 그림을 그리는 과정 자체에 몰두한다. 그런 그의 작업을 두고 굳이 ‘회화의 복권’이라는 둥 거창한 표현을 쓰는 건, 오히려 작업의 본질을 흩트리는 일이 될지도 모른다. 그보다는 작가가 선과 선 사이에 겹겹이 심어둔 마음의 흐름을 뒤따라가는 일이 우선시된다.

각성을 꿈꾸는 눈이 머릿속에 씨앗처럼 촘촘히 박혀 있다.

성유진이 즐겨 그리는 것은 인간과 동물의 중간 지점쯤에 있는 기묘한 생명체이다. 분명 몸뚱이는 동물의 몸인데, 골똘히 생각에 빠지거나 약에 취한 듯 몽롱한 얼굴 표정은 인간 족속에 속한 것처럼 보인다. 동물 같기도 하고, 여인 같기도 한 돌연변이 생명체의 모습에 대해 질문하는 사람들이 종종 있어도, 작가는 고양이처럼 말을 아낀다. 대신 몇 가지 반복되는 요소를 드러내면서 관람자들이 스스로 답을 찾아가길 권한다.

고양이와 자신의 에고를 동일시하는 작가의 작품에서 인상 깊은 것은 고양이의 눈이다. 예컨대 몇몇 그림에서 눈 부분을 손으로 가려 보자. 원본의 기이한 매력은 사라지고, 꼼꼼히 정성 들여 그렸으나 평범한 동물 그림에 지나지 않게 보인다는 것을 알 수 있을 것이다.

그러나 손을 치워 그림 속의 눈이 희번덕거리며 관람객의 마음속에서 함께 움직이기 시작할 때, 그의 그림은 비로소 생명력을 얻는다. 빛의 밝기에 따라 커졌다 작아지는 홍채를 지닌 현실의 고양이 눈 역시 신비롭기는 마찬가지이지만, 성유진이 그린 눈은 마치 고양이의 몸에서 독립된 별개의 개체처럼 보인다. 살아 움직이는 세포를 현미경으로 확대한 것도 같고, 겹꽃을 기하학적인 문양으로 변환한 것 같기도 한 눈동자가 그의 그림에 힘을 불어넣는다.

자기 환멸이 구토로 이어지는 모습. 작가가 믿는 것은 결국 자신의 입으로 토해낸 손의 힘?

흔히 눈이 의식의 중심으로서 통합된 자아를 지향한다고 했을 때, 이러한 눈이 강조되는 그림은 의식의 개안을 상징한다. 눈을 감는 대신 뜨고 있는 상태는 자기 인식을 지향하는 태도를 의미하는데, 특히 머리에 존재하는 또 다른 작은 머리들, 또 다른 눈들은 내적 각성에 대한 갈망을 보여준다.

입 속에서 십여 개의 손들이 튀어나오는 그림에서 볼 수 있는 것처럼, 자기 환멸이 구토로 이어지는 모습도 등장하지만, 성유진이 그림 속에 빽빽이 그려 넣은 그 눈들은 스스로에 대한 믿음이 흐려질 때, 작가가 가고자하는 길을 올곧게 인도하는 나침반 역할을 할 것이다.

때론 눈동자가 튀어나올 만큼 커다란 눈을 희번덕거리고, 때론 심기가 불편한 듯 일그러뜨린 눈을 한 성유진의 고양이 여인들은 서교동 갤러리HUT <‘EGO’라는 사탕을 물다>전에서 볼 수 있다.

고경원 _ 자유기고가 aponian@hanmail.net